Посетители

 

Музыка эпохи Возрождения

Музыка эпохи Возрождения, подобно изобразительному искусству и литературе, возвратилась к ценностям античной культуры. Она не только услаждала слух, но и оказывала на слушателей духовное и эмоциональное воздействие.

Возрождение искусства и науки в XIV-XVI вв. было эпохой великих перемен, ознаменовавших переход от средневекового образа жизни к современности.

Сочинение и исполнение музыки в этот период приобрели особое значение. Гуманисты, изучавшие древние культуры Греции и Рима, объявили написание музыки полезным и благородным занятием. Считалось, что каждый ребенок должен научиться петь и овладеть игрой на музыкальных инструментах. Ради этого именитые семьи принимали в свои дома музыкантов, чтобы те давали уроки их чадам и развлекали гостей.

Популярные инструменты

В XVI в. появились новые музыкальные инструменты. Наибольшую популярность приобрели те из них, игра на которых давалась любителям музыки легко и просто, не требуя особых навыков.

Самыми распространенными стали виолы и родственные им щипковые. Виола стала предшественницей скрипки, а играть на ней было несложно благодаря ладам (деревянным полосам поперек грифа), помогавшим брать нужные ноты. Звук виолы был тихим, но хорошо звучал в небольших залах. Под аккомпанемент еще одного ладового щипкового инструмента - лютни - пели, как сейчас под гитару.

В то время многие любили играть на блок-флейте, флейтах и рожках. Самая сложная музыка писалась для только что созданных клавесина, верджинела (английский клавесин, отличающийся небольшими размерами) и органа. При этом музыканты не забывали слагать и музыку попроще, не требовавшую высоких исполнительских навыков. На это же время пришлись перемены в нотном письме: на смену тяжелым деревянным печатным блокам пришли изобретенные итальянцем Оттавиано Петруччи передвижные металлические литеры. Опубликованные музыкальные произведения быстро раскупались, все больше людей стали приобщаться к музыке.

Музыкальные направления

Новые инструменты, печатание нот и широкая популярность музыки способствовали развитию камерной музыки. Как явствует из ее названия, она предназначалась для звучания в небольших залах перед немногочисленной аудиторией. Исполнителей было несколько, преобладали вокальные выступления, так как искусство пения в ту пору было развито куда больше, чем музицирование. Кроме того, гуманисты утверждали, что на слушателя сильнее всего воздействует "чудесный сплав" двух искусств - музыки и поэзии. Так, во Франции как жанр выделился шансон (многоголосая песня), а в Италии - мадригал.

Шансоны и мадригалы

Шансоны тех лет исполнялись в несколько голосов на трогательные стихи с широким тематическим диапазоном - от возвышенной темы любви до повседневной сельской жизни. Композиторы сочиняли к стихам очень простые мелодии. Впоследствии из этой традиции родился мадригал - произведение для 4 или 5 голосов на вольную поэтическую тематику.

Позднее, уже в XVI в. композиторы пришли к выводу, что мадригалу недостает глубины и силы звучания, к которым всегда стремились в Древней Греции и Риме, и начали возрождать античные музыкальные размеры. При этом резкая смена быстрого и плавного темпов отражала перемены настроения и эмоционального состояния.

Таким образом, музыка стала "живописать слова" и отражать чувства. К примеру, восходящий тон мог означать вершину (душевный подъем), нисходящий - долину (юдоль печали), медленный темп - грусть, ускорение темпа и приятные на слух гармоничные мелодии - счастье, а намеренно длинный и резкий диссонанс обозначал горе и страдание. В более ранней музыке преобладали стройность и слаженность. Теперь же в ее основе лежали многозвучие и контраст, отражавшие богатый внутренний мир человека. Музыка стала глубже, она приобрела личностный характер.

Музыкальное сопровождение

Торжества и празднества были отличительной чертой Возрождения. Люди той эпохи отмечали все - от дней святых до прихода летней поры. Во время уличных шествий музыканты и певцы с богато украшенных подмостков на колесах читали баллады, исполняли сложнейшие мадригалы, разыгрывали драматические представления. Публика с особым нетерпением ждала "живых картин" с музыкальным сопровождением и декорациями в виде механического облака, из которого спускалось предусмотренное сценарием божество.

Вместе с тем, самая величественная музыка сочинялась для церкви. По нынешним меркам хоры были не так уж и велики - от 20 до 30 человек, но их голоса усиливались звучанием вводимых в состав оркестров тромбонов и труб-корнетов, а на большие праздники (например, Рождество) певцов собирали со всей округи в один громадный хор. Лишь католическая церковь считала, что музыка должна быть простой и понятной, и потому ставила в пример сакральную музыку Джованни Палестрины, писавшего короткие произведения на духовные тексты. Следует отметить, что позже сам маэстро попал под влияние выразительной и могучей "новой" музыки и стал писать монументальные и красочные произведения, требовавшие немалых навыков хорового пения.

Язык музыки

В начале XVI в. большинство известных композиторов были родом из Северной Европы, но в конце столетия первой скрипкой зазвучали итальянцы. Молодые музыканты из многих стран приезжали на учебу в Италию. Английские музыканты изучали итальянский мадригал и подражали ему. Композиторы Таллис и Доуленд писали как сложную церковную музыку, так и незамысловатые песни для одного голоса. Музыка перестала быть четко рассчитанной и строго духовной. Она приобретала эмоциональный, выразительный и ярко индивидуальный характер. Музыка заговорила с людьми - и люди понимали ее язык.

ЧЕРТЫ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ В МУЗЫКЕ

«Новое искусство» (ars nova). Образ профессионального музыканта, формировавшийся на протяжении Средневековья в церкви, на рубеже 13–14 вв. дополняется образом просвещенного аристократа, сочиняющего музыку для церкви и для светского общества. Профессионал должен был обладать знаниями музыкальных законов, ученостью, неведомой меломану-простолюдину. Появилось понимание самостоятельной значимости музыки, ее способности «строиться» по собственным законам и быть источником удовольствия. Специфика взаимодействия культового и светского музыкального профессионализма проявилась в размежевании музыкально-поэтического искусства на: «новое искусство» (ars nova) и «старое искусство» (ars antiqua). Теоретиком ars nova стал французский музыкант, поэт и философ Филипп де Витри (1291–1361), автор трактата Ars nova (ок. 1320). Труд этот определил новый «вектор» развития музыки, отличавшийся от установленного до того времени – культового. Это выражалось не только в признании интервалов полутон в качестве «нефальшивого», а терции – благозвучной (консонанса), но и новых метро-ритмических делений – двухдольных, дополнивших господствовавшие в церкви трехдольные. С созданием миниатюрных лирических мотетов, рондо, баллад менялся образный строй профессиональной музыки. В творчестве композиторов появляется техника изоритмии (остинатно-вариационный принцип): укрупнение длительностей тонов нижнего фундаментального голоса (мелодическое остинато или повтор – «кантус приус фирмус») с верхними голосами, образующими подвижную легкую надстройку над ним. Повторяющийся хоральный напев перестал играть образно-мелодическую роль, а становится фактором гармонической вертикали – он ритмически соорганизует все голоса.

Большую известность приобрели трехголосные мотеты поэта и композитора Гийома де Машо (ок. 1300–1377), служившего кантором собора Нотр-Дам и секретарем короля Богемии Яна Люксембургского. Музыка перестала быть «божественной наукой», она становится выразителем земного начала: «Музыка – это наука, которая стремится к тому, чтоб мы веселились, пели плясали» (Машо). Композиторы, продолжавшие работать для церкви, заимствовали из музыки ars nova ее выразительный стиль. В 14 в. в Италии появился ряд ярких музыкальных индивидуальностей, которые писали музыку по вдохновению и сочиняли собственные мелодии для полифонических месс. Мессы и церковные мотеты господствовали, но появились и светские жанры – мадригал, качча, баллада. Творческая стезя трубадуров продолжалась, но с иной профессиональной техникой – полифонической, с более широким спектром художественных образов. Среди выдающихся музыкантов той эпохи – слепой органист-виртуоз Франческо Ландини (1325–1347), автор знаменитых двух и трех-голосных мадригалов и томно-лирических баллад.

Нидерландская (франко-фламандская) полифоническая школа 15–16 вв. С начала 15 в. активную роль в музыкальной культуре Европы стала играть северная ее часть. После включения Нидерландов в состав владений герцогов Бургундии, взаимодействие французской, бургундской и английской музыкальных традиций усиливается, что порождает новую профессиональную школу мастеров полифонии, которая распространяет свое влияние на Италию, Испанию и колонии Нового Света. В 15–16 вв. нидерландские музыканты работали практически во всех крупных городских центрах Европы. В их музыке ярко выразилась духовное начало, связанное с возвышенными идеями католической веры. Опираясь на достижения римской школы церковной музыки, они сумели оплодотворить эту традицию новыми импульсами эпохи арс нова, придав церковной музыке необыкновенную силу художественной красоты и совершенства. Математически рациональное мастерство полифонической техники проявилось в звучании многоголосных хоров, поющих без сопровождения (a capella). Новая хоровая полифония – результат многих явлений, усвоенных нидерландцами: ортодоксального хорала, многоголосных светских мотетов, пения «в терцию» англичан, народной фламандской песни и мелодичной итальянской фротоллы. Эта полифония обнаруживала такую одноплановость звучания в хоре, какая может быть достигнута только на органе. Равновесие 4-х или 5-ти голосов и широкий диапазон их звучания (за счет привлечения низких голосов, сменивших фальцеты) создавал непрерывный поток музыки, где один голос «наслаивается» на другой. Это была вершина хоровой линеарной полифонии.

Замечательными мастерами фламандской полифонии были также Генрих Изаак (ок. 1450–1517) и Якоб Обрехт (ок. 1430–1505). Но особую роль в органичном соединении церковного и народно-светского мелодических начал в хоровой полифонии достиг Жоскен Депре. Он писал и духовные мессы, и светские мадригалы, шансон. Его музыка признана современниками идеалом «совершенного искусства» церкви, поскольку он не усложнял полифоническую технику, а создал строгий «просветленный стиль» полифонического письма. Факт этот имел большое значение для развития церковной музыки, т. к. самостоятельная значимость музыки не приветствовалась служителями церкви, которые отводили ей функцию «волновать пением умы, чтобы они, возбужденные, лучше усвоили смысл этих песнопений» (Меланхтон).

Инструментальная музыка эпохи Возрождения. В 15–16 вв. инструментальная музыка начинает выделяться в самостоятельную традицию и быстро распространяется в быту, салонах, при дворах и в церкви. Большую популярность в быту приобретает лютня. Наряду с духовными сочинениями, первые печатные нотные сборники предлагал инструментальные пьесы для лютни (три лютневые табулатуры составлены О. Перуччи в 1507–1509). Однако материал инструментального репертуара в основном имел вокальное происхождение – это обработки мотетов, шансона, народных мелодий и хоралов. В игре на органе, лютне, на ранних клавирах формируются принципы вариантного проведения одного темы-мелодии (например, органные и клавирные сочинения испанского композитора Ф. Антонио Кабесона (1510–1566)). Но церковь, допуская инструментальные звучания, повелевала: «Пусть епископы обуздывают игру на органе, чтобы можно было слушать те слова, которые поются, и чтобы души слушавших обращались к славословию бога священными словами, а не любопытными, интересными мелодиями» (Постановление собора в Толедо, 1566).

Мадригал. Появившийся в 14 в. жанр мадригала наиболее ярко выразил новый светский вектор развития музыкальной культуры. Основанная на народных песенных истоках, музыка объединилась с творчеством поэтов эпохи Возрождения. Мадригалы – стихи, главным образом любовного содержания, предназначенные для пения на родном языке, написанные Ф. Петраркой, Дж. Боккаччо, П. Бембо, Т. Тассо, Л. Ариосто и др. Стремление к чувственности отличало этот жанр, ставший популярным не только в Италии, но и во Франции, Германии, Англии. В нем закреплялись новые гомофонно-гармонические принципы музыкального языка, поскольку интенсивно разрабатывались новые драматические возможности мелодии, ее способность «выражать» человеческие слезы, жалобы, вздохи или дуновение ветра, поток воды, пение птиц. Обнаруживая историческую преемственность с лирикой трубадуров и труверов, мадригал развивался до начала 17 в. и усваивал принципы многоголосия, разработанные в светских жанрах: мотете, качче, фротолле. В 16 в. отдельные голоса в мадригале стали заменяться инструментами, что способствовало рождению гомофонно-гармонического склада музыки – главенству мелодии с инструментальным сопровождением. Тогда же появилась театрализованная пьеса с музыкой – мадригальная комедия (О. Векки, Дж. Торелли и др.), близкая к комедии дель арте, где возникали типизированные, как и в ранних операх, музыкальные характеристики персонажей: веселость, гнев, скорбь, ревность, коварство и др. Признанным мастером мадригала был итальянец Карло Джезуальдо ди Веноза (ок. 1560–1615), который добивался особой мелодической экспрессии, увлекшись новыми интонациями, основанными не на диатонических, а на хроматических интервалах. Бытовал также близкий к мадригалу жанр шансон, широко распространившийся во Франции. Сценки городской жизни, зарисовки природы (Пение птиц, Крики Парижа, Болтовня женщин за стиркой) представлены в знаменитых шансонах Клемана Жанекена (ок.1475 – ок.1560) – руководителя капелл в Бордо, Андже, Париже и певца Королевской капеллы. Он в юности побывал в Италии, сопровождая своего сеньора во время «итальянских войн» (1505–1515), которые способствовали распространению светских аристократических традиций Италии во Францию и возникновению здесь собственной придворной музыкальной культуры. Жанр мадригала проник в Англию, где выделялось творчество Джона Дауленда.

Флорентийская камерата. Dramma per musica («драма через музыку»). Идеи ренессанса овладели умами музыкантов позже, чем в других областях искусства. Музыкальный мир «раскололся» в представлениях о том, как в музыке 16 в должно воплотиться древнегреческое начало. Многие ученые преклонялись перед нидерландской полифонией Ж. Депре и выступали против новшеств других музыкантов. В придворных кругах Италии во 2 половине 15 в. возникли независимые объединения ученых, поэтов, музыкантов (академии), где провозглашались новые идеалы, отвергавшие церковное искусство и ориентировавшиеся на античность. Композитор, лютнист и математик Винченцо Галилей (1520–1591) стал вдохновителем деятелей искусства и ученых, составивших Флорентийскую камерату – аристократическое сообщество единомышленников, включавшее поэтов, музыкантов, художников. В работе Диалог о древней и новой музыке (1581) он выступал против полифонии, за гомофонный стиль письма, провозгласив, что в «совершенном искусстве» церкви нет ничего от античной классики и назвав нидерландцев «средневековыми варварами». Для членов камераты центральными были человеческие переживания, которые они оценивали как «творческую новизну» (inventio). Сборник мадригалов и арий, которые были одноголосными, Джулио Каччини (1550–1618) назвал Новая музыка (1601). Композитор прославился в качестве изобретателя «выразительного» одноголосного стиля и речитативного пения, имевшего эмоциональную окраску. Окончательное разделение церковного (полифонического) и светского (гомофонного) типа музыки было провозглашено им в виде нового творческого кредо музыканта: сочинять музыку «по своему усмотрению» и допускать «исключения ко всяким правилам», которые устанавливались церковными канониками.

Расцвет придворной культуры выразился в музыкально-театральных жанрах. Выдвинув идею возрождения древнегреческой трагедии, аристократия не опиралась на драмы Софокла или Еврипида, она тяготела к дивертисментным образам, к гедонистической трактовке мифологических сюжетов. Флорентийцам удалось создать то, что будет с 18 в. характеризовать оперу. В их первых театральных постановках – «драмах через музыку» (Дафна, Эвридика Я. Пери), мелодия стала главенствовать (ария), осуществился синтез музыки со словом в речитативно-декламационном стиле пения. Мир пасторали, чуждый трагедии и душевным коллизиям, выраженный в музыкальных драмах флорентийцев, был дополнен творческим гением Клаудио Монтеверди. Он выдвинул идею «новой методы» в искусстве «взволнованного и воинственного стиля». Творчество его не было модным, однако в мадригалах и ариях он сумел ярко воплотить и картины природы, и душевные состояния героев, особенно в постановках, называемых им «сказания на музыке»: Орфея (Орфей), Сенеки и Оттавии (Коронация Поппеи), жалоба Ариадны (Ариадна). В творчестве Монтеверди берет истоки опера, впервые достигая синтеза музыки, слова и сценического действия в характерных оперных формах: ариях, речитативах, дуэтах, хорах, инструментальных ритурнелях.

Опера – грандиозный музыкальный итог итальянского ренессанса.

 



  • На главную